C'est la vie ! Images d'archives

Depuis une cinquantaine d'années en France, l'art dit contemporain est devenu la tendance officielle prônée par un Etat qui écarte notamment et remarquablement la peinture figurative. Selon l'expression laconique cette orientation peut se résumer à montrer "un art sans art ", une idée, comme souvent, qui vient directement des Etats-Unis.
Cette exposition de peintures ne peut donc exister que sous forme virtuelle, sur d'improbables cimaises.

BIOGRAPHIES : https://chatgpt.com/ Marc Vérat

Peintre originaire de Nevers, il a suivi des études aux Beaux‑Arts de Reims et de Besançon dans les années 1968–1973, avec un passage à La Plata (Argentine) au début des années 1970.
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Style et thèmes artistiques : figure du figuratif, il réalise des peintures mêlant surréalisme, montages photographiques et collages de peintures académiques (appelées "pompiers") avec des photographies contemporaines. La femme est souvent un motif central :
« un hymne à la femme tout en douceur, lumière et sensualité, sans une once de vulgarité » VOSARTISTES.COM+1VOSARTISTES.COM+1.
Positionnement esthétique : son œuvre s’inscrit comme une réaction contre l’art contemporain dominant. Il milite pour une peinture figurative expressive et revendicative, ancrée dans l’histoire de l’art classique.
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Œuvres et projets récents :
Il réalise des montages photographiques avec des reproductions d’œuvres anciennes incorporées dans des environnements actuels, parfois enrichis de textes engagés, par exemple pour dénoncer des inégalités passées ou contemporaines, notamment autour du thème du féminisme.
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Il a exposé à Nevers, notamment au Musée Frédéric Blandin, dans une version du montage photographique intégré à un vitrail exposant des œuvres de Fénéon ou Bouguereau.
Vie locale et engagement : très attaché à son territoire, il choisit de se retirer du circuit artistique contemporain institutionnel et de produire de manière indépendante, souvent avec diffusion limitée et engagement critique envers le milieu culturel dominant.

En résumé
Peintre figuratif et surréaliste, opposé à l’art contemporain dominant
Thèmes : Féminité, montages, références à l’histoire de l’art
Techniques : Collages photo‑peinture, montages intégrés, inscriptions textuelles engagées
Position idéologique : Contestataire du conformisme artistique et défenseur de traditions picturales

Le Premier ministre a dévoilé son plan de 43,8 milliards d'euros pour le budget 2026, qui prévoit notamment un gel des dépenses de l'Etat et une "année blanche" pour les prestations sociales et les retraites, afin de faire face à la "malédiction du surendettement" de la France.
Mais rien sur un symbole pourtant fort que constituerait une baisse des indemnités parlementaires par exemple.

"Le surendettement oblige le pays à emprunter tous les mois pour payer les retraites ou les salaires des fonctionnaires, c'est une malédiction qui n'a pas d'issue", a-t-il affirmé en précisant que chaque seconde, la dette de la France augmenterait de 5.000 euros.
L'objectif est de ramener le déficit à 4,6% du PIB l'an prochain, contre 5,8% en 2024. Le tout dans un contexte international, entre tensions commerciales et militaires, ce qui conduit à demander un effort additionnel pour la défense. Résultat, l'effort à réaliser atteindra l'an prochain 43,8 milliards au lieu des 40 initialement prévus.

"L'Etat se fixe comme première règle de ne pas dépenser davantage en 2026 qu'en 2025, à l'exception de l'augmentation de la charge de la dette et des dépenses supplémentaires pour le budget des armées". Une seconde règle serait le non-remplacement d'un fonctionnaire sur trois partant à la retraite.

De la même manière, il a décidé d'une "année blanche" pour les prestations sociales, y compris les pensions de retraite, c'est-à-dire qu'elles ne seront pas revalorisées. Certains retraités verront aussi supprimé leur abattement pour frais professionnels. Même gel pour les barèmes de l'impôt sur le revenu et la contribution sociale généralisée, ce qui reviendra à augmenter ces prélèvements.

Parallèlement, le Premier ministre a également proposé la suppression de deux jours fériés, par exemple le lundi de Pâques et le 8-Mai, pour doper l'activité qu'il juge insuffisante en France.

François Bayrou n’a pas oublié les substantielles économies à faire sur les nombreux opérateurs de l’État. L'Etat va réduire le nombre d'emplois publics de 3.000 postes dès 2026. Certaines agences de l'Etat vont être supprimées, d'autres vont voir leurs effectifs baisser pour un total de 1.000 à 1.500 suppression de postes.

Aujourd'hui, 91 milliards d'euros sont distribués à ces différents opérateurs.
On trouve parmi ceux-ci de grands établissements publics comme les universités ou Météo France, mais aussi des organismes inutiles ou aux compétences mal définies :
Business France, Atout-France, Office français de la biodiversité ; des agences et instituts tout autant obscurs : Institut national de l'origine et de la qualité, Agence de contrôle du logement social, Agence publique pour l'immobilier de la Justice...

Parmi les opérateurs à vocation culturelle certains, comme l'Opéra de Paris ou la Comédie française, ont déjà perdu respectivement 6 et 5 millions d'euros et le budget de la culture, après cinq années de hausse, se trouve réduit fin 2024 de 204 millions d'euros.
Mais d'autres économies, chiffrées cette fois non plus en millions mais en milliards, ne seraient pas pour autant impopulaires.

Des exemples factuels à mettre en oeuvre :
En 2022, le budget global des 22 Frac s'élevait à plus de 36 millions d'euros.
Pourtant ces Fonds Régionaux d'Art Contemporain constituent une source de dépense anachronique tant au niveau des personnels, que du non-sens des collections qui génèrent incompréhension du public et, surtout, une grande injustice pour une écrasante majorité de créateurs.
Les FRAC, voulus par un gouvernement de gauche, entérinés par un gouvernement de droite, ont contribué non seulement au discrédit de la gauche mais également à la détérioration durable de l'image de l'Art. L'art s’est coupé de la base populaire et laborieuse en devenant l'affaire, comme jamais auparavant, d'une classe extrêmement minoritaire.
Ces fonds régionaux d’Art Contemporain, créés à partir de 1982, ont acquis des oeuvres représentatives des courants significatifs, ou du moins considérés comme tels, de l’Art Contemporain. Les collections comportent donc une part très importante de créations conceptuelles avec une peinture figurative remarquablement et systématiquement absente.
Mais les temps et les mentalités changent, rien ne reste définitivement acquis !
Aujourd'hui, faute de moyen et de public, ces deux objectifs fondamentaux fixés initialement par le Ministère de la Culture pour les FRAC ne sont plus remplis, il semblerait donc logique, en saisissant l'opportunité du non remplacement des retraités (1982), d’envisager leur dissolution pure et simple.

Le Centre National des Arts Plastiques coûte toujours 11.2 M€ et l'Académie de France à Rome pas moins de 10.9 M€.
Une suppression de cette Académie, c’est-à-dire de la Villa Médicis, serait également salutaire au budget. En effet, cette Institution uniquement prévue pour accueillir les lauréats des Prix de Rome perdure, alors que la distinction des Prix de Rome a été abandonnée depuis 1968.
La nomination de directeur de la Villa Médicis se fait par décret du chef de l’État, celle-ci offre des opportunités de reclassement, ce qui peut expliquer que même devenue depuis longtemps inutile et sans objet, la suppression de la Villa ne figure pas à l'ordre du jour, pas plus que sa vente ou sa restitution aux italiens.

Bien entendu, toute décision ne serait pas sans conséquence pour des milliers de fonctionnaires réduits plus ou moins au reclassement, et pour les quelques collectionneurs spéculateurs ou les rares artistes vivant de subvention ou de commande d’Etat. Mais à bien réfléchir, ces propositions de réforme ou suppression rétabliraient justice et équité sociale, mais aussi et surtout impartialité du marché, avec les indispensables économies recherchées par la France.

Les ateliers d’artistes ont beaucoup proliféré dans l’Europe du XIXe siècle, en réponse à l’augmentation importante de cette catégorie sociale et professionnelle. Autrefois réservé à une élite intellectuelle, le statut de l’artiste s’est démocratisé et s’est progressivement confondu avec les arts décoratifs et les arts graphiques tels que la lithographie. Dans les années 1860, Paris comptait ainsi plusieurs milliers de peintres jouissant d’une certaine notoriété. Des locaux réservés aux artistes fleurirent à cette époque dans les quartiers neufs tels que la Nouvelle Athènes, en complément des logements occupés par les peintres officiels et académiques dans le cœur de la capitale. On voit aussi se multiplier à cette époque des cités d’artistes où se recréent des espaces communautaires, proche de l’esprit de la bohême. Pour tous ces artistes, l’atelier représentait l’espace de la gestation des œuvres. Lieu réel, il est aussi celui dans lequel se construit l’identité fantasmée de l’artiste, philanthrope et prométhéen. Enfin, l’atelier est l’espace de la sociabilité artistique. Sa fréquentation, généralement ouverte aux intimes, aux élèves et aux amateurs, était l’occasion des rencontres et des débats esthétiques entre les peintres et les sculpteurs. Il pouvait également servir de lieu d’exposition privé, avant l’envoi des œuvres au Salon et dans les grandes manifestations de groupe. Autour de l’artiste - ici Mucha - maître des lieux, tout un cénacle se regroupe pour admirer, discuter ou apprendre. Ces images insistent sur la dimension sociale de l’atelier de l’artiste comme espace de réunion, de discussion, de mise en perspective de l’activité picturale. Elles permettent de dresser un parallèle intéressant entre l’histoire de l’art et l’histoire socioculturelle. Nous y voyions que la création artistique n’est pas totalement indépendante du microcosme social, économique et culturel de son temps. L’artiste a besoin d’un entourage et d’un public pour mettre en perspective, discuter et recevoir ce qu’il crée. L’atelier est ce lieu dans lequel sont reçus les élèves, les admirateurs voire les collectionneurs. Fortement symbolique, l’atelier est l’espace de l’émergence physique de l’œuvre d’art, celui où elle est pensée puis exécutée par le peintre ou le sculpteur. Il précède par exemple le Salon ou le musée, qui sont des lieux d’exposition et de conservation.

Lieu du discours sur l’art, du partage des techniques et des opinions, lieu de divertissement des sens, l’atelier est un carrefour dans le monde des artistes. Ce thème si fréquent dans la peinture du XIXe siècle apparaît donc comme un révélateur de la dimension à la fois esthétique et sociologique de l’œuvre d’art. Il participe à l’ancrage de la figure de l’artiste, autant que le Salon de peinture et que les institutions officielles lui donne une place dans le paysage historique et social de son temps. La formation académique de l’artiste Depuis l’antiquité, la connaissance du corps humain a représenté la base de l’apprentissage du métier d’artiste. Dans les académies modernes, elle était enseignée de plusieurs façons, à la fois par des cours théoriques et des leçons pratiques. Celles-ci étaient de deux sortes : d’après les sculptures antiques, présentant le nu idéalisé, puis d’après le modèle vivant. Les documents réunis ici révèlent cette part essentielle du dessin d’après le modèle en chair et en os dans des ateliers du début à la fin du XIXe siècle. Que ce soit dans l’atelier d’un maître prestigieux comme Jacques Louis David au Collège des Quatre Nations, ou dans les classes de l’Académie Julian fondée en 1873, l’étude du nu masculin et féminin représentait l’un des exercices fondamentaux de l’apprentissage des peintres et des sculpteurs. Longtemps, cette connaissance a été réservée à un public masculin. Les femmes n’ont pu faire que leur apparition officielle sur les bancs des ateliers des Beaux-Arts qu’à partir de 1897, tandis qu’elles étaient déjà reçues dans les écoles libres telles que l’Académie Julian. Les modèles employés pour ces exercices étaient des professionnels, souvent d’origine étrangère comme le jeune polonais qu’employait David. Le professeur désignait la pose qui était conservée pendant plusieurs semaines et faisait l’objet d’une correction générale par le maître.

Auteur : Claire MAINGON